Unterhaltung

Die 8 besten Filme über das Musikgeschäft

Hollywood liebt es, Filme zu machen über sich , aber was ist mit Amerikas anderer massiver Unterhaltungsindustrie? Viele Filme bieten populäre Musik, aber weit weniger wagen es, einen interessanten, aufschlussreichen Blick auf das harte Aufnahmegeschäft zu werfen, das dieselben Pop-Hits produziert und gleichzeitig kleinere Musikstücke beiseite wirft. Es gibt sicherlich keinen Mangel an Geschichten in der Branche, die erzählt werden können, aber diese Filme über das Musikgeschäft erzählen sie auf neuartige Weise und kreieren überzeugende Charaktere, Geschichten und sogar Witze, während sie uns dennoch etwas Faszinierendes darüber zeigen, wie die Musik gemacht wird.

1. Fast berühmt

Der Regisseur Cameron Crowe schöpfte aus seinen eigenen Erfahrungen als Musikautor im Teenageralter für Rolling Stone, um diese Geschichte über… einen Musikautor im Teenageralter für Rolling Stone zu erzählen. Der junge Schriftsteller folgt hier einer Fiktion 70er Band Kurz vor dem Höhepunkt des potenziellen Ruhms, aber geplagt von internen Konflikten zwischen den Bandmitgliedern und sogar einer engmaschigen Gruppe von Anhängern, die alle zu einer dysfunktionalen Familie seltsamer Ausgestoßener werden, die trotz ihrer Unterschiede immer noch eine bewegende Wiedergabe hervorbringen können von 'Tiny Dancer'. Mit seiner Geschichte einer einzelnen Band, die mit den Augen eines Teenagers gesehen wird, der neu in der Musikwelt ist, fängt Crowe ein Musikstück der 70er Jahre und die Aufregung ein, groß zu träumen, auch wenn diese Träume für eine Band wie Stillwater nicht unbedingt wahr werden.

zwei. Dies ist Spinal Tap

Rob Reiners klassischer Rockumentar über eine fiktive Hair-Metal-Band ist eine studierte Parodie auf Rock-Dokumentarfilme und die Welt der Rockmusik selbst und randvoll mit zitierfähigen Zeilen („These go to 11“, um das offensichtlichste zu nennen) und einem unvergesslichen Set Stücke (Stonehenge!), die es ideal für Musikfans machen, die nach gut beobachteten Bauchlachen suchen. Im Zentrum des Ganzen stehen die selbsternstigen Mitglieder der Titelband Spinal Tap, deren Ansprüche durch ihre eigene Konformität (wie in Videos ihrer früheren Auftritte offenbart), ihre Dummheit und ihre gesteigerte Sexualität ständig „komisch untergraben“ werden genannt 'Lick My Love Pump'.) und ein stetiger Rückgang ihres Ruhmes. Dies ist die Welt der Rockmusik, in der alberne Bands zu viel Lizenz erhalten, um sich vor einem unvermeidlichen Untergang als hohe Kunst zu betrachten.

3. Frank

Michael Fassbender spielt unter einem riesigen Pappmaché-Kopf Frank, den unorthodoxen Anführer einer ebenso unorthodoxen alternativen Band, die zufällig den leider orthodoxen Möchtegern-Songwriter Jon rekrutiert, der sich nur schwer mit Franks kreativem Prozess und vielen Exzentrizitäten auseinandersetzen kann Für diese Band gibt er sein „Notgroschen“ auf. Der Film verwandelt sich von einer Charakterstudie seiner beiden Hauptrollen in eine beißende Satire moderner unabhängiger Musik und Musikfestivals, wenn sich die Band auf das South by Southwest-Festival in Austin vorbereitet, wo Franks eigenwillige Musik unter sanitären Twee-Pop-Acts fehl am Platz klingt Hipster. Während die ultimative Lektion in Frank ist es, den Kreativen Kreativität zu überlassen, und zeigt auch die enttäuschenden Opfer, die eine Band im digitalen Zeitalter bringen muss, um sich einem größeren Publikum schmackhaft zu machen.

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Vier. Liebe & Barmherzigkeit

Es ist leicht, die Beach Boys durch ihr frühes Bild von Bubblegum-Pop zu definieren, aber die kalifornische Band schuf einige der emotional ehrlichsten, orchestral dichtesten Popmusik aller Zeiten, vor allem dank des Studio-Genies des ehemaligen Mitglieds Brian Wilson. Diese Biografie des rätselhaften, psychisch kranken Wilson verwendet zwei Schauspieler, um ihn an zwei Punkten im Leben festzuhalten. John Cusack spielt einen Wilson mittleren Alters, dessen Leben sich verändert, als er eine Frau trifft, die ihn aus seiner langwierigen Depression herausziehen und ihn von einem missbräuchlichen Quacksalberpsychiater befreien kann, während Paul Dano das Genie des jüngeren Wilson einfängt, der es gemacht hat Haustier klingt vor einer psychischen Erkrankung zu erliegen. Letzterer fängt sein Studio-Genie mit atemberaubendem Realismus ein und zeigt gleichzeitig den Tribut, den seine eigene Kreativität für seinen inneren Zustand bedeutet.

5. 24 Stunden Party Leute

Regisseur Michael Winterbottom erzählt die wahre Geschichte von Factory Records, dem unwahrscheinlichen Unternehmen, das Ende der 70er Jahre in Manchester gegründet wurde und dazu beitrug, die wegweisende unabhängige Musik der Region einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Abgesehen von mehr als ein paar einflussreichen lokalen Acts wie The Sex Pistols und Joy Division ist dies ein Film über die surreale, unter Drogen stehende Welt des Mannes hinter Factory Records, Tony Wilson, gespielt von Steve Coogan, der Musik macht Geschichte fast zufällig, bevor sein persönliches und berufliches Leben schließlich unter dem Gewicht seines sehr bescheidenen Erfolgs zusammenbricht.

6. In Llewyn Davis

Das Coen Brüder sorgte dafür, dass jedes Detail der Epoche in diesem düsteren Blick auf das Leben eines kämpfenden Künstlers während der New Yorker Volksmusikszene der frühen 60er Jahre richtig dargestellt wurde. Der Titel Llewyn Davis, der von Oscar Isaac zum Leben erweckt wurde, wandert mehr oder weniger auf den Sofas von Freunden durch die Stadt, die seine bösen Ansichten und die anhaltende Depression über den Tod seines früheren Mitarbeiters kaum tolerieren. Obwohl die Coens in vielen surrealen, lustigen Gesprächen arbeiten, ist die Stimmung von Inside Llewyn Davis einheitlich pessimistisch und konfrontiert die harten Wahrheiten einer Musikwelt, die sich einfach nicht darum kümmert, da Llewyn sich routinemäßig sabotiert, um einen Traum zu verwirklichen, der niemals kommen wird zur Verwirklichung, egal wie bewegend seine Interpretationen von Volksklassikern sind.

7. Nashville

Die Exzesse der Country-Musikindustrie in Nashville repräsentieren die Exzesse des Amerikas der 1970er Jahre als Ganzes in der Krönung des Ensembles von Regisseur Robert Altman. Am hektischen Wochenende eines politischen Konvents und unzähligen musikalischen Darbietungen von Original-Songs, die ebenso eingängig wie albern sind, wirbeln eine Vielzahl von Charakteren umeinander. Während des gesamten Films sind viel Heuchelei und Albernheit zu sehen sowie einige echte menschliche Emotionen und die schwelende Bedrohung durch Gewalt. Trotz all des albernen Patriotismus und des überproduzierten Unsinns des Nashville Sound, der damals die Country-Musik definierte, sieht Altman die Hoffnung und den Optimismus, die allen Broten und Zirkussen der Musikindustrie und dem politischen Prozess zugrunde liegen, die sich als enger verwandt herausstellen als jemand würde gerne zugeben.

8. Jenseits der Lichter

Jenseits der Lichter ist in erster Linie eine Liebesgeschichte, aber der Film hat auch viel über den Hintergrund der Musikindustrie zu sagen, da er den bekannten Gefahren des Popstars mit erfrischender Originalität begegnet, die manchmal an Überernstigkeit grenzt. Gugu Mbatha-Raw spielt einen aufstrebenden Popstar, der über Selbstmord nachdenkt, bevor eine Romanze mit dem ehrlichen Polizisten Kaz ihr hilft, ihre Depression zu überwinden und zu lernen, die Wünsche der Anzüge der Plattenfirma aufzugeben, die sie kontrollieren wollen, um ihre eigene Kreativität zu erforschen und Lieder zu singen das drückt aus, wie sie sich fühlt, anstatt die, die das Unternehmen für sie schreibt.

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