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7 Dinge, auf die Kritiker beim Überprüfen eines Films achten

Das Wichtigste, an das Sie sich erinnern sollten, wenn Sie einen Film kritisch betrachten, ist, dass jedes einzelne Bild und jeder einzelne Moment speziell so gestaltet wurde, dass er sich auf den Betrachter auswirkt. Theoretisch ist nichts ein Unfall - sei es die Art und Weise, wie ein Schauspieler eine Linie sagt, die Methode, mit der die Aufnahme für diesen Moment eingerichtet wird, oder sogar der bestimmte Lampentyp, der möglicherweise im Hintergrund sitzt.

Insgesamt kann die Konstruktion eines Films unglaublich kompliziert sein, aber die Gründe für jede Entscheidung hängen fast immer davon ab, wie sie mit der Geschichte funktioniert und wie sie den Betrachter beeinflusst. In diesem Sinne gibt es sieben wesentliche Möglichkeiten, einen Film zu zerlegen, um ihn aus kritischer Sicht zu betrachten.

(Flickr)

1. Regie

Es ist am besten, sich den Regisseur wie einen General vorzustellen. Er oder sie stellt alle wichtigen Leiter der Kreativabteilung ein und drängt sie, seine Vision zu erfüllen, kann jedoch möglicherweise nicht alle technischen Aspekte des Filmsets vollständig kontrollieren. Stattdessen muss der Regisseur die Gesamtvision im Auge behalten und sicherstellen, dass sie in jedem Moment in vollem Umfang umgesetzt wird.

Ein gutes Beispiel für die Rolle eines Regisseurs könnte ein wichtiger, dramatischer Wendepunkt in einem Film sein. Je nachdem, wie er oder sie sich die Szene vorgestellt hat, scheint die Szene möglicherweise nicht die Energie zu haben, die ursprünglich vorgesehen war. Der Regisseur würde dann in den Problemlösungsmodus wechseln: Wenn es sich um etwas Performancebezogenes handelt, würde eine Diskussion mit den Schauspielern stattfinden. Wenn die Szene etwas anders beleuchtet oder gedreht werden könnte, folgt eine Diskussion mit dem Kameramann. oder möglicherweise muss eine Zeile geändert werden, da das Skript nicht wie beabsichtigt funktioniert.

Obwohl die folgenden Bereiche für den Erfolg eines Films entscheidend sind, ist es wichtig zu beachten, dass es letztendlich in der Verantwortung des Regisseurs liegt, zu kommunizieren, was er oder sie will. Dies ist der Grund, warum der Regisseur die erste Person ist, die für den Erfolg eines Films gelobt wird, und auch die erste Person, die die Hitze nimmt, wenn es ein Misserfolg ist. Während ein Regisseur die talentiertesten Schauspieler und die talentierteste Crew zur Verfügung haben könnte, ist es immer noch die Aufgabe des Regisseurs, sicherzustellen, dass diese Teile zusammenpassen und zu wissen, wann notwendige Änderungen vorgenommen werden müssen.

Drehbuch

2. Schreiben

Wenn es darum geht, die Geschichte eines Films aus struktureller Sicht zu betrachten, ist es wichtig zu berücksichtigen, dass die überwiegende Mehrheit der Filme in die Drei-Akt-Struktur fällt: Anfang, Mitte und Ende. Dies liegt nicht daran, dass Drehbuchautoren faul sind, sondern daran, dass die Struktur lediglich zum Erzählen von Geschichten dient und es schwierig, aber nicht unmöglich ist, eine Geschichte zu erzählen, die außerhalb dieser Struktur liegt.

In Drehbüchern ist der erste wichtige Moment, nach dem Sie Ausschau halten sollten, der auslösende Vorfall. Im Allgemeinen wird es um die Zehn-Minuten-Marke einen Moment geben, der den Protagonisten zu der Geschichte treibt, die den Rest des Films dominieren wird. Um die 30-Minuten-Marke herum gibt es normalerweise einen wichtigen Wendepunkt - den Moment, in dem es für den Protagonisten kein Zurück mehr gibt -, der den Beginn des zweiten Aktes signalisiert, in dem der Großteil des Films stattfinden wird. Um die Neunzig-Minuten-Marke herum signalisiert der zweite Wendepunkt schließlich den Drang des Films, sowohl zu seinem Abschluss als auch zu seiner Auflösung zu gelangen.

Nun gibt es absolut Filme, die nicht perfekt in die Drei-Akt-Struktur passen, aber die überwiegende Mehrheit der Filme tut dies und Sie können sich ein Bild davon machen, wann wichtige Momente oder Änderungen eintreten werden, wenn Sie das allgemeine Format kennen. Bei Filmen, die nicht der Drei-Akt-Struktur folgen, kann das Wissen, wann sie gegen die Regeln verstoßen, dem Zuschauer helfen, zu analysieren, wie sie die Drei-Akt-Struktur meiden und warum.

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3. Kinematographie

Der Kameramann oder Kameramann ist der wichtigste kreative Leiter, der die Aufgabe hat, die Vision des Regisseurs in den eigentlichen Film oder die digitale Aufnahme zu übersetzen. Dies kann das Auswählen der Kamera, das Auswählen von Objektiven, das Beleuchten der Szene oder eine andere fotografische Auswahl umfassen, die die Vision des Regisseurs am besten hervorbringen kann.

Die Beziehung zwischen dem Kameramann und dem Regisseur ist sehr unterschiedlich, je nachdem, wie viel technisches Wissen der Regisseur besitzt - Stanley Kubrick wusste bekanntlich bis ins kleinste Detail, was er von seinem Kameramann wollte -, aber den Kameramännern wird im Allgemeinen die kreative Herrschaft übertragen, um ihre Rolle zu erfüllen: Bild zu Film.

Wenn Sie das nächste Mal einen Film ansehen, wählen Sie eine Szene aus und überlegen Sie, wie der beabsichtigte Ton dieser Szene aussehen soll. Ist es eine romantische Szene? Dramatisch? Schauen Sie sich dann an, wie die Beleuchtung und die Art und Weise, wie die Szene gedreht wird, diesen Ton oder die Geschichte hervorheben. Wenn es nicht übereinstimmt, überlegen Sie, warum diese Entscheidung getroffen wurde und wie sich dies als Betrachter auswirkt.

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Filmbearbeitung

4. Bearbeiten

Ein Cutter ist oft der unbesungene Held einer Filmproduktion; er oder sie kann Kontinuitätsprobleme beheben, die Geschichte auf hilfreiche Weise modifizieren und sogar schlechte Leistungen beheben. Im Grunde genommen handelt es sich bei der Bearbeitung um die tatsächlichen Schnitte - in den Tagen des Films waren es buchstäblich physische Schnitte im Film -, die im Film sowohl innerhalb von Szenen als auch von Szene zu Szene vorhanden sind.

Unter dem wachsamen Auge des Regisseurs hat der Herausgeber die Aufgabe, im Film einen visuellen Rhythmus zu erzeugen, der die Vision des Regisseurs erfüllt. Ein Beispiel in einem Film könnte eine Szene sein, in der ein Protagonist einem anderen Charakter etwas offenbart. Der Redakteur könnte die Szene von weiter weg beginnen und langsam zu immer näheren Aufnahmen wechseln, während der Protagonist sein Geheimnis preisgibt. Alternativ kann der Herausgeber genau das Gegenteil oder etwas dazwischen entscheiden - dies ist letztendlich die Entscheidung des Regisseurs.

Das Bearbeiten kann einen großen Einfluss auf das Zuschauererlebnis haben, aber seine verborgenen Eigenschaften (wenn der Editor gut ist) können es auch schwierig machen, darauf zu achten. In vielerlei Hinsicht hängt das Anschauen zum Bearbeiten sehr davon ab, dass Sie mit Ihrer körperlichen Erfahrung beim Anschauen eines Films Schritt halten. Eine Szene wie die oben beschriebene kann die Art und Weise, wie sich eine Szene für Sie anfühlt, langsam ändern, aber das Gegenteil ist auch der Fall. Bei einem harten Schnitt kann es zu einem leichten Ruck kommen, oder die Kombination von zwei aufeinander folgenden Schlägen kann zu einer anderen Erfahrung führen als bei beiden Schlägen für sich. Um ein Gefühl dafür zu bekommen, was die Bearbeitung für die Erfahrung des Betrachters bewirkt, ist es wichtig, mit Ihrem Bauch zu beginnen.

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5. Handeln

Über das Drehbuch hinaus könnten die Schauspieler das wichtigste Teil des Filmpuzzles sein. So wie ein großartiges Drehbuch großartige Leistungen mittelmäßiger Schauspieler hervorbringen kann, haben großartige Schauspieler die Möglichkeit, ein mittelmäßiges Drehbuch auf ein neues Niveau zu heben. Aber es ist die Aufgabe des Schauspielers, unter der Regie des Regisseurs sicherzustellen, dass die Aufführung mit dem Ziel des Films übereinstimmt.

Das Schauspielern ist wahrscheinlich die einfachste Sache, nach der man Ausschau halten muss, wenn man einen Film kritisch betrachtet, einfach weil die Schauspieler die Erfahrung des Zuschauers mit dem Film in den Mittelpunkt stellen. Viele der Dinge, die beim Schauspielern zu beachten sind, ähneln denen, auf die Sie im Drehbuch achten können. Was ist das Ziel des Charakters? Was ist seine oder ihre Charakterentwicklung? Ist die filmische Reise der Figur zufriedenstellend? Von dort aus könnten Sie darüber nachdenken, ob der Schauspieler diese Ziele erfolgreich erreicht hat und warum oder warum nicht.

Das Handeln ist notorisch schwer zu quantifizieren; Einige Schauspieler scheinen es einfach zu haben. Aber der Glaubwürdigkeitsfaktor kann einen großen Beitrag dazu leisten, eine Aufführung zu zerstören, wenn man sie mit dem vergleicht, was sein oder ihr Ziel als Schauspieler im Film war. Glauben Sie als Zuschauer völlig an die Existenz eines Charakters, egal wie normal oder verrückt dieser Charakter ist? Von dort aus können Sie beginnen, Aspekte der Aufführungen, die funktionierten oder nicht funktionierten, aufzuschlüsseln, aber das Größte ist immer die Glaubwürdigkeit.

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6. Produktionsdesign

Ein weiterer unbesungener Held der Filmproduktion, der Produktionsdesigner oder Art Director, ist die Person, die die Aufgabe hat, die Welt aufzubauen, in der die Charaktere existieren. Er oder sie arbeitet sowohl mit dem Regisseur als auch mit dem Regisseur der Fotografie zusammen, um die ästhetischen Anforderungen des Projekts zu erfüllen, und leitet den Kostümdesigner, Make-up-Stylisten und andere ähnliche Abteilungen, um die Gesamtvision des Regisseurs zu erreichen.

Wenn eine Figur in einer schäbigen Wohnung im New York der 1960er Jahre lebt, ist der Produktionsdesigner die Person, die sorgfältig nachbildet, wie diese Wohnung ausgesehen haben könnte, die Wohnung so einrichtet, dass sie das Aussehen und die Ära widerspiegelt, und den Kostümdesigner zu einem Stil führt das fühlt sich konsequent an und alles andere zu tun, was notwendig ist, um dem Betrachter das Gefühl zu geben, dass dies in den 1960er Jahren und nicht in der Gegenwart geschieht.

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Neben dem Regisseur und Regisseur der Fotografie ist der Produktionsdesigner auch eine wesentliche kreative Kraft, um die visuelle Konsistenz des Films zu fördern. Dies kann bedeuten, dass Sie eine Farbpalette auswählen, die im gesamten Film verwendet werden soll, oder Orte auswählen, die den Ton des Films am besten widerspiegeln. Viele Regisseure der Fotografie werden zugeben, dass es immer darauf ankommt, was der Produktionsdesigner vor die Linse stellt, egal wie gut ihre Arbeit ist.

Der Soldat James Ryan

7. Ton

Film mag ein visuelles Medium sein, aber es besteht kein Zweifel daran, dass Ton einer der wichtigsten Aspekte eines Films ist und dies seit 1927 ist Der Jazzsänger läutete den Beginn der 'Talkies' ein.

Sound kann auf verschiedene Arten für dramatische Effekte verwendet werden. Ein Regisseur kann Musik, Soundeffekte oder sogar den fehlenden Ton insgesamt einsetzen, um einen Effekt auf den Betrachter zu erzielen. Die Verwendung von Musik in einem Film ist mehr oder weniger unkompliziert, obwohl Musik manchmal auf eine Weise verwendet werden kann, die mit der Grafik in Konflikt gerät, anstatt mit ihr mitzuhalten. Aber der Klang wird interessant, wenn der Regisseur ihn so einsetzt, dass der subjektive Zustand eines Charakters betont wird.

Einige großartige Beispiele für stilisierten Sound finden sich bei Steven Spielberg Der Soldat James Ryan. Sobald die amerikanischen Soldaten in Omaha Beach ankommen, folgt Spielberg ihnen, während sie vom Boot und unter Wasser tauchen. Die Geräusche werden gedämpft und distanziert, um das körperliche Gefühl widerzuspiegeln, unter Wasser zu gehen. Spielberg verwendet auch subjektiven Klang, um dramatische Momente hervorzuheben. Als Tom Hanks 'Charakter zum ersten Mal benommen am Strand ankommt, wird der Klang des Kampfes um ihn herum distanziert und hohl, um seine persönliche Erfahrung den Ereignissen zu zeigen, die sich um ihn herum abspielen.

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